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Crítica de Couture | La vida como un desfile de moda: difícil no torcerse un tobillo

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Crítica Couture

¡Qué alegría comprobar que Alice Winocour sigue atinada con otra película maravillosa llena de afecto y solidaridad! ‘Couture’ es una película conmovedora y emociona por todos sus poros. Una declaración de amor a todas las mujeres que velan por el bienestar de sus compañeras.

Nos sumergimos en la Semana de la Moda de París. Entre todas las personas que participan en dicho evento, nos centramos en tres mujeres. La protagonista es Maxine, directora de cine encargada de rodar el short film de la pasarela (Angelina Jolie). Después tenemos a Ada, una modelo amateur que acaba de llegar de Kenia con la tremenda responsabilidad de sustentar a su familia. Por último, Angèle es una maquilladora empática y amable cuyo sueño es ser escritora. Tres historias que cada una podría dar una película aparte pero que juntas se aúpan recíprocamente construyendo un hermoso relato.

Esta decisión narrativa es crucial, ya que enfatiza más si cabe lo que se pretende contar. Ante las adversidades que sufren nuestras protagonistas, son casi siempre otras mujeres las que les ayudan a seguir luchando. A veces, con un gesto diminuto, que, aún así, conmueve tanto como el detalle romántico más pomposo (piel de gallina con la escena de la sala de espera). Otras, con un consejo idóneo en el momento oportuno (“Seguro que encuentras el momento de hacerlo”). Y podría enumerar muchísimos ademanes más pero sería rebajar su belleza (mis palabras no alcanzan las imágenes de la película).

Crítica de Couture | La vida como un desfile de moda: difícil no torcerse un tobillo

Una Angelina Jolie sobresaliente

Con una Angelina Jolie sobresaliente, recibimos la noticia que nadie está preparado a escuchar: el cáncer. Para más inri, este revés se da a un mes del esperado rodaje de su próxima película. Un jarro de agua fría que pone patas arriba su vida. En medio de esta crisis, encontrará el afecto en un hombre, dándonos una tierna escena de “no sexo”. Maxine nos regala una conversación por teléfono no apta para sensibles con su hija viniéndonos a decir que una madre, sin importar donde esté, siempre nos indicará el camino a casa.


Ada destaca por su madurez con apenas dieciocho años. Pese a mudarse a un continente nuevo y sobrevivir en un trabajo electrizante, su corazón elige primero a su familia y, además, construirá un lazo inesperado con una modelo ucraniana (y es que, pese a ser de distintos países, ambas han sufrido las consecuencias de una guerra).

Y, finalmente, es imposible no enternecerse con nuestra maquilladora favorita. Alice Winocour no pudo dar más en el clavo con la profesión que le brindó a Angèle. Una maquilladora con entrañas de escritora tiene la virtud de detectar al milímetro las emociones faciales (lo que transmite una mirada alicaída o una sonrisa entrecortada).


Teniendo que gestionar las absurdas críticas de hombres, Angèle ve en sus tiempos muertos discursos de Marguerite Duras para encontrar el sentido de la escritura. ¡Y vaya si lo encuentra! De fondo, más mujeres aportan su granito de arena. Desde la modista que cose un trozo de pelo en el vestido porque da buena suerte hasta la modelo que ayuda económicamente a Ada sin apenas conocerla. Y lo más bonito es que la directora no se suelta del cariño que le tiene a la vida. La agarra con tanta fuerza que puede llegar a doler.

En el momento más triste, elegimos mirar por la ventana y ver la barraca que zarandea a tantas personas felices.

Crítica de Los Tigres: Debajo del mar también se pueden contar historias

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Critica Los Tigres

España presenta candidatura en la sección oficial de Zinemaldia 25 con ‘Los Tigres’, nueva película de Alberto Rodríguez. Éste sigue fiel a su estilo y consigue una película bajo el agua donde la tensión, lejos de hundirse, destaca con autoridad.

‘Los Tigres’ sigue la historia de dos hermanos cuya vida ha girado en torno al buceo. El renombre de su padre como buzo desencadenó que Antonio y Estrella empezasen a bucear desde pequeñitos. De hecho, la película empieza con un video archivo, que nunca falla para chutarnos un poquito de nostalgia, donde les vemos jugar en la barca. Esta vida marítima les salpica de distintas formas. Por un lado, Estrella sufrió un problema de oído por la presión del agua mientras buscaba el reloj de su padre. Por otro lado, Antonio, heredando el prestigio familiar, ha dedicado su vida como buceador.

Fruto de ello, lo convierte en un zoquete en las responsabilidades terrenales. Padre divorciado, suspende en sus labores parentales creyendo que traer lubina para cenar es suficiente para que sus hijas se sientan queridas. Tal es su ausencia y terquedad que su exmujer opta por denunciarle y es dicha denuncia la que obligará a Antonio a enfrentarse a tesituras peliagudas. El estado de su corazón, su mala vida y los problemas económicos son otros condicionantes para Antonio.

Tensión bajo el agua

Las escenas cruciales suceden debajo del agua y Alberto Rodríguez, lejos de verlo como una limitación, las afronta con braveza. Precisamente, seguro que ese desafío fue el que le motivó a embarcarse en este proyecto, ya que es todo un reto captar la atención sin palabras. Ante la ausencia de diálogos, es el dominio de la imagen y el sonido las que tienen que mantener a flote la historia.

El ambiente sonoro es poco nítido e inmersivo, como si estuviéramos escuchando un ruido punzante y amortiguado por el mismo agua. Respecto al valor visual, muchos planos hunden a los buceadores en la inmensidad del mar por su amplitud escénica. La lejanía que toma la cámara hace que los peces y los protagonistas adquieran un tamaño similar. Gracias a la distancia, la cámara consigue agrupar bancos de peces que rodean a los protagonistas y dicha composición fomenta la sensación de estar en aguas inhóspitas.

A su vez, los tiros de cámara son vertiginosos, predominando planos picados (remarcando las oscuras profundidades del mar) o contrapicados (con la luz del sol reflejada en el agua).

Un thriller interesante

El metraje funciona tanto dentro como fuera del agua. La dinámica de los hermanos destaca por su lógica y limpieza. Ninguna actuación brilla pero tampoco desentonan. Da la sensación de que Antonio de la Torre actúa con los ojos cerrados y de memoria mientras que Barbara Lennie acepta el rol de cuidadora de su hermano desde la sombra. Se percibe un machismo en los barcos que le imposibilita desarrollarse (además de su problema auditivo). Mientras que Antonio encuentra la paz en la película, Estrella tendrá que esperar un poco todavía (igualmente, ambos tienen finales esperanzadores).


‘Los tigres’ evoluciona en un thriller y coge velocidad de crucero conforme llega el final. La magnitud de los conflictos crece exponencialmente y el nivel de alerta es puntiagudo. Todo mi reconocimiento para una película que parece haber estado en muy buenas manos en todo momento. Cada elemento está en su sitio y funcionan juntos como una orquesta bien afinada.

Crítica de Bad Apples: una carta de presentación llena de personalidad

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Crítica de bad apples

Muchas veces estamos faltos de películas provocadoras. Por miedo a ser juzgadas, la mayoría se quedan a medias tintas y en tierra de nadie. Pero, no obstante, hay otras que no tienen freno y entran como un torbellino aniquilando cualquier ápice moral. Es el caso de ‘Bad Apples’ de Jonatan Etzler y, para más inri, es su primera película ¿Estaremos ante un nuevo director con ganas de banalizar nuestra ética?

Estrenada en la sección “New Directors” del Zinemaldia 25, ‘Bad Apples’ nos cuenta la historia de una profesora incapaz de dar clase por culpa de Danny, un niño violento que arrasa con todo lo que ve. Literalmente. Tira por las escaleras a compañeras, insulta sin escrúpulos o cuela su zapatilla en una fábrica de manzanas (provocando un cortocircuito en la factoría). Todo una joya, vaya. Nuestra profesora María es incapaz de domar a esa bestia y su bondad, más que ser útil, es ineficiente. Por una serie de catastróficas desdichas, María mete la pata. Sin querer, eso sí. Pero lo hace: Secuestra a Danny.

La premisa no puede ser más macabra y, sin embargo, funciona como un reloj. María, interpretada por una estupenda Saoirse Ronan, es el ejemplo de persona que una vez lanza la primera mentira, es incapaz de salir de su propio bucle de errores irremediables. La bola de nieve se va haciendo más grande, Jonathan Etzler lejos de recatarse, fuerza más la máquina y, por ende, todo se convierte en un hilarante despiporre.

Unos personajes maquiavélicos

Un claro acierto del director es el énfasis maquiavélico de casi todos los personajes (digo casi todos porque hay alguno puntual que sirve para contrastar con el sinsentido de los demás). La escena de los padres es tan bizarra que no puedes controlar las carcajadas. Y es que ‘Bad apples’ se deja en casa los formalismos y retuerce la perversidad humana mientras que tú, como espectador, no das crédito a lo que tus ojos están viendo. Clave para entender que se trata de una sátira es la rocambolesca banda sonora. Con cierto toque “Tim Burtonesco” presenta situaciones pesadillescas bajo el velo de la cordura.

Crítica de Bad Apples: una carta de presentación llena de personalidad
Crítica de Bad Apples: una carta de presentación llena de personalidad

Con todo esto, la apuesta del director es osada pero funciona por su valor recreativo. Porque siempre se agradece ver películas dispuestas a divertirnos sacándonos de la maceta de la moralidad. Uno se siente mal por reírse cuando María decide atar a Danny con un arnés hecho para gorilas enormes. O cuando los padres secundan encerrar a Danny pactando un pacto de silencio.

Pero no puedes evitarlo y entiendes que para eso se inventó el cine. Para salir un poco de nuestras cabezas y alucinar con realidades inverosímiles (en todo momento, se percibe la sátira). Mucha curiosidad por seguir los pasos de este director que, desde luego, se quiere hacer notar. Nosotros siempre estaremos encantados de reírnos con lo que no toca reírse. Mención especial a la alumna que está plagada de gags brillantes. El vestido que se pone encima del uniforme, la canción que toca en bucle utilizando solo una tecla o el primer plano cuando dice “escuché que decía GOL”.

¡Y qué lástima que no hubiese terminado con el penúltimo plano! El último resulta obvio y subraya lo que ya se intuye. Con el penúltimo, sin embargo, se hubiese llegado al culmen del cinismo. Un final que merece este guion tan especial.

Crítica de Un Simple Accidente: Jafar Panahi demuestra por qué mereció ganar la Palma de Oro

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crítica de un simple accidente

Es una sensación maravillosa la de salir del cine satisfecho con lo que acabas de ver. Es el caso de la última película de Jafar Panahi: ‘Un simple accidente’. Este año recibió en Cannes la preciada “Palma de oro” (curiosamente, comparte una estructura narrativa similar a su predecesora “Anora”) y, quizás por eso, las expectativas podían jugar en su contra. Sin embargo, estamos ante un director tan inteligente que es difícil encontrar grietas en un relato tan redondo y consistente.

Por respeto a los esfuerzos evidentes de Panahi en elaborar un camino diferente (nos puede recordar a las películas de Hitchcock) optaré por no desvelar la trama de la película y, sí, hacer hincapié en las sensaciones que transmiten sus imágenes. El relato juega con la duda constante. El director iraní nos quiere despiertos y la ausencia de datos nos es estimulante porque confiamos en su criterio. Tanto el montaje como la puesta en escena juega al despiste y siempre mantiene un punto de vista sesgado.

Lo que imaginamos cuando no podemos ver

A veces con planos largos enfocando a un solo personaje u otras con la cámara moviéndose según lo que más le llame la atención. Esta decisión enriquece el relato, ya que en la historia apela mucho a lo que imaginamos cuando no podemos ver.

Esto es crucial porque se nos hace saber que los protagonistas sufrieron ciertas experiencias traumáticas mientras tenían los ojos vendados. Incluso, la trama de la película no consigue resolverse por no ver la mirada del sospechoso en cuestión. Es decir, Panahi rescata ese detalle y lo impregna en los tiros de cámara porque quiere hacernos sentir lo mismo que los protagonistas (el último plano es un summum de esta idea siendo un final escalofriante). Por ello, da gusto cuando ves a un director controlar al milímetro estos factores, en vez de desaprovechar oportunidades que pueden jugar a tu favor.

El curioso caso del «coche iraní»

Siendo gran admirador del cine iraní, no puedo ignorar el frecuente uso de coches. Todo empezó con el grandísimo Kiarostami que convirtió el automóvil en su dispositivo narrativo central (‘El sabor de las cerezas o ‘Y la vida continúa’). Después el propio Panahi reutilizó esa idea en ‘Taxi’ y hasta su propio hijo se estrenó con una“road movie” (‘Hit the road’). Seguramente, no es una decisión puramente estética sino que las circunstancias culturales tienen un gran peso en este patrón. Al parecer, en Irán, no es del todo fácil rodar películas por rigidez en los permisos. El mismo Jafar Panahi ha rodado muchas de sus obras en la clandestinidad, además de ser censurado y condenado a prisión por poner sobre la mesa temas peliagudos en Irán.

También el coche puede funcionar como metáfora de la vida o, incluso, justifica un encuadre cerrado entre los pasajeros (como bien ocurre al principio de la película). De todas formas, en ‘Un simple accidente’ el uso del coche funciona, sobre todo, como detonante de la trama.

¿Merece la pena la venganza?

La película es tan astuta que oscila entre el humor más genuino y la denuncia más severa. Panahi consigue que nos ríamos siendo conscientes de la gravedad de la situación. Lanza preguntas morales difíciles de contestar (¿merece la pena la venganza? o ¿se justifica el “ojo por ojo, diente por diente?) y lleva al ridículo momentos que contienen una tremenda tensión (la escena de los guardas de seguridad es tronchante).

Como he dicho antes, estamos ante una película bien pensada y dirigida con destreza. Jafar Panahi se consagra como un director que tiene sentido del humor pero que, a su vez, no tiene pelos en la lengua y denuncia la grave situación que sufre su país. Todo lo hace con una humildad intachable y sin florituras, demostrando que la realidad no necesita a la ficción para agitar.

El final de El verano en que me enamoré será en el cine: no habrá temporada 4

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el verano en que me enamoré temporada 4

Es oficial, la serie ‘El verano en que me enamore’ (The Summer I Turned Pretty) tendrá su desenlace en la gran pantalla. Prime video ha anunciado la producción de una película que retomará la historia tras lo acontecido en la tercera temporada de la serie, confirmando, a su vez, que no habrá cuarta temporada, ya que la cinta supondrá el final de Belly y compañía.

¿Qué sabemos de la película?

En primer lugar, ya se ha confirmado que la dirección y el guión estarán a cargo de la autora de la trilogía original, Jenny Han; gran noticia para los fans de los libros que esperan la adaptación más fidedigna posible.

Respecto al argumento, la cinta retomará la historia desde el final de la tercera temporada, aquel en el que vimos a Conrad viajando a París para reencontrarse con Belly tras haberle confesado, en el mismo capítulo, que todavía la amaba. Finalmente, ambos se reencuentran en la estación de tren, marcando por completo el que será el punto de partida de la película.

El resto de detalles, por ahora, se mantienen bastante en secreto. Sin embargo, la autora ha dejado entrever en sus últimas declaraciones que la película mostrará a los dos principales protagonistas, Conrad y Belly, en una fase más adulta de su relación, pero, por ahora, se desconoce si el final de la saga respetará al cien por cien lo ocurrido en los libros originales así que, de momento, habrá que esperar.

Reacciones al final de la temporada 3 de El verano en que me enamoré

Como no podía ser de otra manera, el último capítulo de ‘El verano en que me enamoré’ ha causado mucha controversia entre los espectadores. No solo por la guerra abierta entre los Team Jeremiah y los Team Conrad, sino por aquellos que esperaban una versión de Belly más independiente, alejada de ambos, que siguiera su propio camino; al menos durante un tiempo. 

Sea como fuere, la serie ha conseguido volver a pegar a millones de personas a la televisión y se ha convertido en todo un fenómeno de masas en una época en la que, debido a la inmensa variedad de oferta, resulta cada vez más complicado serlo.

Crítica de El Mago del Kremlin: Oliver Ayassas y Paul Dano no enamoran en San Sebastián

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Crítica de el mago del kremlin

Comenzamos este esperado festival de Donostia con la nueva película de Olivier Assayas. ‘El mago del Kremlin’ es una adaptación de la novela de Giuliano da Empoli (cuyo título es el mismo que el de la película). La historia sigue los pasos de Vadim Baranov, un asesor de imagen y consejero político de Vladimir Putin. Dicha novela fue publicada en el 2022, por tanto, y aunque se declare como una novela de ficción, es inevitable encontrar semejanzas con la política rusa de las últimas décadas.

La película recorre el pasado de Baranov, ya retirado de los cargos políticos. Su vida la cuenta el propio protagonista a un periodista americano simpatizante de sus ideas. Assayas recurre a un flashback lineal o, en otras palabras, no se ha complicado mucho pensando en la estructura narrativa y, en vez de jugar con los tiempos, ha preferido ser tradicional. Por un lado, esa sencillez ayuda a que entiendas bien el recorrido profesional del protagonista, pero, por otro lado, hace que la película peque de aburrida.

Sin haber leído la novela, da la sensación de que se ha sido demasiado fiel a ésta. La propia película está estructurada por capítulos (introducidos con unas tipografías horteras, para mi gusto) e intercala los flashbacks con coletazos del presente que apenas aportan mucho que delatan una vagueza narrativa.

Una historia ficticia… pero con muchos paralelismos con la realidad

Al principio de la cinta, te avisan de que se trata de una historia ficticia. No obstante, es evidente el paralelismo que se teje con la realidad. Mismamente, Baranov es asesor del mismísimo Putin (interpretado por un exagerado Jude Law dando la sensación de que se buscaba caricaturizarlo más que otra cosa). Olivier Assayas nos enseña los secretos del poder, descubrimos las intenciones retorcidas que buscan los políticos y nos desvela las mentes pensantes que controlan un gobierno desde la sombra.

Vadim Baranov es un tipo cínico y frio que, a su vez, brilla por su creatividad e inteligencia. Lamentablemente, esas características tan contradictorias y fascinantes no se aprecian en la interpretación de Paul Dano.

Monótono e inerte, desaprovecha el abanico de un personaje al que le tildan como “mago”. La energía del actor no suscita ese mote, provocando una asincronía entre el guion y su comportamiento en escena. Además, resulta tan soso que no se aprecia un arco de transformación que demandaban sus circunstancias políticas. Sin poner toda la responsabilidad en Dano, el guion tampoco ayuda a excavar en la personalidad de esta enigmática figura. Diálogos fáciles y meramente expositivos, hacen que Baranov hable solo superficialmente e imposibilita cualquier sutilidad o contradicción interpretativa.

En resumen, nos encontramos ante una película correcta que, a su vez, es vacía e impersonal. Parece que el director francés no asume riesgos abusando de una objetividad que en el mundo del cine desemboca en la irrelevancia. El resultado es una puesta en escena conservadora que no busca desafiarte como espectador sino simplemente informarte. La tensión no está trabajada y ninguna escena consigue llegar a un punto ambicioso (paradójicamente, el highlight es una escena cómica en la que se graba un discurso político). ‘El Mago del Kremlin’ es interesante para aprender un poco más sobre la política rusa (desde el descalabro de la URSS hasta mediados de la década de 2010).

Pero no te atrapa.

Crítica sin spoilers de Kimetsu no Yaiba: Castillo infinito | Lo mejor y lo peor de la película del momento

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crítica de Kimetsu no Yaiba

Tras más de un año de espera por fin podemos decir que hemos visto la nueva película de ‘Kimetsu no Yaiba: Castillo infinito’. La continuación de la famosa serie de manga y animación japonesa y la primera entrega cinematográfica del que será el gran desenlace de la trama. En este artículo os contaremos qué nos ha parecido, sin spoilers, y hablaremos sobre qué esperar del futuro de la franquicia tras el estreno de la cinta.

Argumento de Kimetsu no Yaiba: Castillo infinito

La película retoma la historia por el último capítulo de la cuarta temporada: Aquel en el que Muzan Kibutsuji llega al refugio de Kagaya Ubuyashiki, el patrón, para sonsacarle el paradero de Nezuko, capturarla y experimentar con ella hasta adquirir la habilidad que lleva más de un siglo persiguiendo: sobrevivir a la luz del sol. Sin embargo, el villano de la saga termina cayendo en la trampa de Ubuyashiki, quien se sacrifica junto a su mujer e hijas accionando una bomba que pilla completamente desprevenido a Muzan, permitiendo a Tamayo aparecer por sorpresa y retenerlo hasta que acaba siendo rodeado por el resto de pilares. Un plan casi perfecto del que Kibutsuji, como no podía ser de otra manera, logra evadirse accionando las compuertas del castillo infinito: dando así comienzo a la batalla definitiva entre nuestros héroes y el resto de los demonios.

Opinión de la película sin spoilers

Lo mejor de Castillo infinito

La cinta, como ya hacía su predecesora, Tren infinito, sigue el ritmo y la dinámica de la serie. Es decir: Nuestros héroes en su lucha coral contra los demonios. Ahora bien, el hecho de que se condense todo en poco menos de tres horas le aporta un dinamismo tremendo. Los dos primeros tercios de película son trepidantes, las peleas son épicas y la animación inmejorable.

En Castillo infinito ocurren las suficientes cosas como para completar una temporada completa de los guardianes de la noche. No es spoiler decir que, como ya se confirmó en el trailer oficial, varios de los protagonistas afrontan cuentas pendientes con sus propios demonios. Tres grandes peleas, cada una mejor que la anterior, con distintos desenlaces, pero todas repletas de acción y, especialmente, carga dramática. Porque si algo ha sabido hacer siempre Kimetsu no Yaiba es dotar a sus personajes de un fuerte bagaje emocional que multiplica, por mucho, la magnitud de todo lo que ocurre en una historia en la que nada es gratuito.

Finalmente, cabe destacar que la película -alivios cómicos al margen- se toma lo suficientemente enserio a sí misma y que, si bien no deja de ser un shonen, uno tiene la sensación de que, viéndola, se está llevando algo más que una sucesión de peleas gratuitas. Para nosotros, Castillo Infinito es un perfecto retrato de la frialdad de la guerra. Cuesta defender esta opinión sin entrar en spoilers, pero a lo largo de la cinta los protagonistas deben afrontar una serie de sucesos traumáticos y lo asumen con una facilidad pasmosa; no porque no sientan dolor, sino porque no se pueden permitir sentirlo y esto adquiere aún más impacto cuando el espectador recuerda que los héroes, en su mayoría, son prácticamente unos niños, librando, sin quejas, una batalla que jamás debió ser la suya. Este detalle, a priori menor, eleva la historia a otro nivel.

Crítica sin spoilers de Kimetsu no Yaiba: Castillo infinito | Lo mejor y lo peor de la película del momento
Crítica sin spoilers de Kimetsu no Yaiba: Castillo infinito | Lo mejor y lo peor de la película del momento

Aspectos a mejorar en Demon Slayer

Aunque el corazón nos pida no criticar esta saga, la cabeza nos obliga a destacar un par de cosas que, a nuestro criterio, deberían pulirse para mantener el gran nivel mostrado por ‘Kimetsu no Yaiba‘ tanto en su formato serie como película.

En primer lugar, la acción termina demasiado pronto. Sí, dos horas pueden parecer mucho tiempo, pero el último tercio de película frena en seco, dedicando cuarenta minutos a una subtrama que, posiblemente, podría haberse resuelto en la mitad de tiempo. Eso, inevitablemente, te deja con un sabor de boca agridulce, dado que no volveremos a ver nada relacionado con este universo hasta dentro de, como mínimo, dos años.

Otro aspecto a tener en cuenta es el abuso de los flashbacks, un recurso que, en según que situaciones, puede ser muy útil, pero del que no conviene depender y menos para justificar ciertas decisiones de guión. Además, los últimos terminan siendo algo redundantes y, por más que nos guste conocer en profundidad a ciertos personajes, no todo puede contarse en recuerdos metidos, casi, con calzador cuando están al borde de la muerte.

Por último, no podemos terminar esta reseña sin mencionar que el argumento de los Guardianes de la noche comienza a ser un poco previsible. Cuando nuestros héroes cayeron al mundo de Muzan, muchos esperábamos que la historia se desatase; ya que se abrieron mil combinaciones e interacciones posibles entre los personajes principales. Sin embargo, tras visionar Castillo infinito podemos constatar que ocurre lo que todos esperaban que ocurriese. Sin sorpresas y sin ases debajo de la manga por parte del mangaka. Algo que, al menos en Efedefilm, nos sirve para la primera entrega, pero esperamos que mejore en las próximas películas porque sería una pena que un universo tan grande como el de Kimetsu no Yaiba se viera empequeñecido por un hilo conductor que roza lo algorítmico y que dista mucho de decisiones valientes que la franquicia ha tomado anteriormente, por ejemplo, con la muerte de Rengoku en ‘Tren infinito’.

Conclusión

Obviando los aspectos que, a nuestro criterio, podrían mejorar, Castillo Infinito nos ha parecido una de las mejores películas de animación de la historia reciente. Ha supuesto un fenómeno cultural, especialmente en Japón, sin precedentes en este sector, ha batido récords en taquilla y puede mirar a los ojos, sin acomplejarse, al resto de grandes del género como ‘El viaje de Chihiro’ (2002) o ‘Kimi no Nawa’ (2016) aunque, en nuestra opinión, sin llegar todavía a ese nivel. Veremos si sus continuaciones logran superarla, algo que, visto lo visto, no parece nada fácil.

¿Cuántas películas quedan de Kimetsu no Yaiba?

Según las últimas informaciones, la cuarta temporada ha sido la última en la que vimos a los caza demonios. A partir de ahora la historia continuará con una trilogía cinematográfica cuya segunda entrega se espera en 2027 y que tendrá su ansiado cierre, presumiblemente, en 2029.

Robert Redford, icono de Hollywood y cine independiente, muere a los 89 años

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Muere Robert Redford

Robert Redford, el célebre actor, director y activista que dejó una huella imborrable en el cine estadounidense, falleció el 16 de septiembre de 2025 a la edad de 89 años. Su muerte fue confirmada por su publicista, Cindi Berger, quien informó que Redford murió en su casa en Sundance, en las montañas de Utah, rodeado de sus seres queridos. No se ha dado a conocer aún la causa del fallecimiento según informa Reuters.

Redford nació como Charles Robert Redford Jr. el 18 de agosto de 1936, en Santa Mónica, California. Desde joven mostró interés por las artes y el cine; sus primeros pasos los dio en la actuación, pero pronto se diversificó como director y productor.

Su fama llegó en la década de 1960 con películas como ‘Dos Hombres y un Destino’ (1969), donde interpretó al personaje que dio nombre al famoso festival; ‘El Golpe’ (1973); y más tarde ‘Todos los Hombres del Presidente’ (1976), que lo afianzaron como uno de los rostros más reconocidos de Hollywood.

Sin embargo, el legado de Redford va mucho más allá de su carrera frente a las cámaras. En 1980, dirigió ‘Gente Corriente’, su debut como cineasta en largometrajes, con la que ganó el Óscar al Mejor Director y cuya película fue también galardonada con Mejor Película.

Robert Redford, icono de Hollywood y cine independiente, muere a los 89 años

Además, Redford fue un pionero del cine independiente en los Estados Unidos. Fundó el Sundance Institute y el Sundance Film Festival, instituciones clave para la promoción de nuevos cineastas y estilos fuera de los grandes estudios. Su compromiso con las causas medioambientales, su activismo progresista y su defensa de una visión artística autónoma lo convirtieron en una figura respetada no sólo en Hollywood, sino internacionalmente.

El actor-director muere dejando tras de sí una generación de cineastas infinitamente influida por su trabajo —tanto los grandes éxitos comerciales como los filmes más íntimos, los espacios para el cine experimental, la exploración estética y el cine que busca cuestionar, conmover o provocar.

Redford será recordado no sólo por su talento actoral y sus aportaciones como director, sino por haber construido puentes para voces nuevas; por haber insistido en que el cine puede ser un espejo crítico de la sociedad, una herramienta de cambio, un espacio para la belleza pero también la reflexión. Su muerte cierra uno de los capítulos más brillantes del cine moderno —pero su influencia, sin duda, perdurará.

¿Habrá temporada 3 de Rey Lobo, la serie de animación de Netflix?

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rey lobo netflix temporada 3

Cuando Netflix apuesta fuerte por la animación suele surgir productos muy buenos. Y es que, por el gigante del streaming han pasado serie que han reinventado este estilo de narrar las historias (porque para mí no es un género como algunos lo etiquetan). Series basadas en videojuegos como pueden ser ‘Arcane’ o ‘Ciberpunk: Edgerunners’, ejemplos perfectos de cómo se debe adaptar una historia de un medio a otro, o, incluso, ips nuevas que son muy interesantes y refrescantes en un panorama en el que cada vez escasea más lo «original».

En este sentido, acaba de llegar a la plataforma la nueva temporada de una de esas series originales de Netflix que se convirtieron, casi desde su llegada al streaming, en un auténtico éxito. Hablamos de ‘Rey Lobo’, que después de un estreno espectacular, con su primera temporada colándose en el top 10 de lo más visto de la plataforma, en su momento, y que vuelve para dar ese aire de frescura del que hablábamos antes a un mes de septiembre comandado por grandes dramas como ‘Dos Tumbas’ o ‘Vale Salvaje’.

Lo cierto es que ‘Rey Lobo’ es una pasada, una especie de coming of age fantástico en el que Drew Ferran alcanza la mayoría de edad y descubre que es el último de una larga estirpe de Hombres Lobo.

¿Habrá temporada 3 de Rey Lobo, la serie de animación de Netflix?
¿Habrá temporada 3 de Rey Lobo, la serie de animación de Netflix?

Y si eres una de esas personas que ya ha visto la segunda entrega de la serie en Netflix, en este artículo vamos a hablar de cuáles son las posibilidades de que haya una temporada 3 de ‘Rey Lobo’, una entrada que iremos actualizando con cada nueva noticia o novedad que salga al respecto, así que, si quieres estar al tanto de la serie… ¡Sigue leyendo para enterarte de todo!

¿Habrá temporada 3 de Rey Lobo, la serie de animación de Netflix?

Esto es todo lo que sabemos acerca de la temporada 3 de ‘Rey Lobo’:

  • Parece que la serie estaba creada con la intención de tener, tan solo, dos temporadas, así que parece que esta será la última temporada de ‘Rey Lobo’.
  • No quiere decir que haya sido cancelada, simplemente que la historia estaba prevista para acabar tal y como está, tal y como señala el medio especializado en el gigante del streaming Whats on Netflix.
  • Esto no quiere decir que se descarte de todo una temporada 3 de ‘Rey Lobo’ ya que no sería la primera vez que Netflix intenta estirar el chicle con alguna de sus series, pero esto solo se dará si esta segunda entrega es un exitazo.

Así que de momento tendremos que esperar para ver si esta nueva entrega tiene un éxito muy grande como para justificar el alargar la serie, pero de momento parece que no, no habrá temporada 3 de ‘Rey Lobo’ en Netflix. Si hubiera algún cambio de parecer por parte de la distribuidora, actualizaremos la noticia.

Amateur 2: ¿habrá secuela de la nueva película de Rami Malek en Disney Plus?

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Amateur 2

Amateur 2′: ¿habrá secuela de la nueva película de Rami Malek en Disney Plus?

Rami Malek ha vuelto al cine de acción con fuerza, encarnando a un criptógrafo de la CIA en busca de venganza en ‘Amateur’, un thriller oscuro, intenso y emocional que ya se encuentra disponible en Disney Plus, y que cuenta la historia de n brillante pero introvertido decodificador de la CIA que trabaja en una oficina en el sótano de la sede de Langley. Su vida cambia radicalmente cuando su esposa muere en un ataque terrorista en Londres. Cuando sus supervisores se niegan a tomar cartas en el asunto, toma las riendas y se embarca en un peligroso viaje por todo el mundo para localizar a los responsables. Su inteligencia será el arma definitiva para escapar y llevar a cabo su venganza.

Con un desenlace abierto y una dinámica magnética entre Rami Malek y Laurence Fishburne, la cinta deja una clara sensación de que el conflicto podría continuar. Pero, ¿hay razones reales para esperar una secuela? ¿Qué dicen el director, el reparto y los estudios?

En este artículo repasamos todo lo que se sabe hasta el momento: declaraciones exclusivas, rumores fundados, el desempeño de la película y lo que podría venir después. Si quedaste atrapado por este universo de espías, prepárate para conocer la verdad sobre una posible ‘Amateur 2’.

Amateur 2: ¿habrá secuela de la nueva película de Rami Malek en Disney Plus?

Esto es todo lo que sabemos acerca de ‘Amateur 2’:

  • Hasta la fecha, Disney o 20th Century Studios no han confirmado oficialmente ‘Amateur 2’, y de momento, no hay anuncios formales sobre una segunda parte en desarrollo o próximas negociaciones de producción.
  • El director James Hawes ha conversado en entrevistas sobre la posibilidad de una secuela. En una charla con The Direct, dijo que realmente no han empezado conversaciones ni planificación, pero añadió que dejaron un momento deliberado al final para abrir la puerta a una continuación.
  • En conversaciones con Rami Malek, Laurence Fishburne y James Hawes para Entertainment Weekly, todos expresaron entusiasmo por continuar la historia con una ‘Amateur 2’.
  • Cabe recalcar que ‘Amateur’ recaudó unos 96?millones de dólares en todo el mundo contra un costo estimado de 60?M?USD, lo que lo convierte en un éxito moderado mayor al presupuesto pero lejos de ser rentable.

Así que parece que el equipo creativo de la película está a favor de hacer ‘Amateur 2’, así que la pelota está en el tejado de Fox, que tiene la última palabra sobre apostar, o no, por una continuación de la historia. El tema es que la película no ha sido muy rentable para el estudio, así que habrá que ver cómo funciona la película en Disney Plus, y si ese éxito es tan alto como para justificar una secuela. De momento toca esperar…